Paolo Tonato interview -

Paolo Tonato’s interview:

- What are you trying to comunicate with your photos?

Through photography I look for the detail. I like the idea that photography could capture an istant and extract it from the world surronding. Acting in this way lets you attract people’s attention on moments and nuances that usually people can pass up.

- What are you looking for through the use of photography?

I’m looking for the detail, starting from the graphic basis or composition balance I’m trying to show the worls as it appears to me.

The camera let us capture a time fragment and preserve it, so that we are able to show it to people not there in that specific moment. So, photographer is able through lens to describe the world as he sees it.

- Is there a photography or a project to whom you are particularly attached? Why?

Yes, It’s named Manniquines. This project entailed the two souls of the photographer: the first is the professionist’s one, that works for someone and so h isn’t completely free when he shoots. The second is the author’s one, that rapresents the creative part of shooting.

I often work with still lyfe, that let me act on all the object’s parts (light, positions, compositions..). In Mannequines I wanted to try a completely different experience. In fact, all the shoots are taken by night, positioning the tripod on the sidewalk and with the shop-window in front. The only lights I had were those of the shop, and I couldn’t modified anything of the set. The final result is a series of mannequines portaits that have a particolar light in their eyes.

- What question will you ask yourself if you will be interviewed? And how will your answer be?

What kind of meaning do you give to photography? And how do you perceive your figure in the photographic world?

Photography is a “poor” art. You don’t need any specific quality or ability to take good pictures. So, sometimes in this field the word “artist” may be a little bit abuse. Artist is a person with a major sensibilità compared to other people, who is able to understand and comunicate emotions and images to his public. I’m meanly a professionist and then I can consider myself a san author, but nota n artist. Author in the sense that I tell things and stories through my works.

Intervista a Paolo Tonato:

- Cosa cerca di comunicare attraverso le sue fotografie?

Attraverso la fotografia cerco di cogliere il particolare. Mi piace l’idea che la fotografia possa catturare un istante ed estrarlo dal mondo circostante. Così facendo è possibile attirare l’attenzione delle persone su momenti o sfumature che magari nella fretta della giornata sfuggirebbero.

- Che cosa ricerca attraverso l’utilizzo della fotografia?

Riprendendo quanto detto sopra, partendo da presupposti grafici o equilibri nella composizione dell’immagine cerco di mostrare il mondo per come mi appare.

La macchina fotografica ci permette bloccando un frammento di tempo di riuscire a conservarlo per poterlo mostrare ad altre persone non presenti in quel momento. Il fotografo attraverso l’obiettivo descrive il mondo attraverso i suoi occhi.

- Esiste una fotografia o un progetto al quale è particolarmente legato? Perché?

Si, si chiama Manichini. Questo progetto racchiude in sé le due anime del fotografo: quella del professionista che lavora per un committente e quindi non è completamente libero quando scatta e quella dell’autore, che rappresenta estro e creatività.

Lavorando spesso sullo still life in studio, dove è possibile agire sulla fotografia da tutti i punti di vista (luci, composizione, angolatura..) ho voluto provare a misurami con l’esatto opposto. Le foto sono state scattate tutte di notte, appoggiando il cavalletto sul marciapiede e fotografando davanti ad una vetrina, con a disposizione solamente le luci dei negozi, senza poter minimamente agire sull’oggetto e quindi non avendo libertà di movimento.

Alla fine il risultato è stato una serie di ritratti di manichini i cui occhi sembrano di particolare intensità.

- Quale domanda si farebbe se venisse intervitato e come risponderebbe?

Quale significato attribuisce alla fotografia? E come percepisce la sua figura al suo interno?

La fotografia è un’arte povera. Non necessità di particolari capacità manuali. La pittura o la scultura richiedono doti eccezionali, ma chiunque dopo un buon corso è in grado di fare delle belle fotografie.

A volte in questo campo la parola artista può essere un po’ abusata. L’artista è una persona con una sensibilità sopra la norma che riesce a percepire e trasmettere sensazioni, immagini al suo pubblico. Io sono un professionista e poi un autore, ma non mi sento artista. Autore nel senso che racconto delle cose attraverso le mie immagini.

For further information see also: http://www.paolotonato.com/Paolo_Tonato.html and http://paolotonato.blogspot.com/.

(For example this graphic joke created by this billboard macro can give an idea of my photographic work on the detail.)

( Ad esempio il gioco grafico creato grazie alla macro di questo cartellone pubblicitario può rendere l’idea del mio lavoro fotografico di ricerca sul particolare).

Some photos from Mannequines series:

Paolo Degasperi interview - Photography and polaroid -

Paolo Degasperi interview:

-  Why do you decide to focus your work mainly on Polaroid? What do they rapresent for you?

A big part of my snapshots are been shooted between 1996 and 2001. During this period I had a big interest for Polaroid that is a camera that costs 30 euros, with one button, 10 click, brutal flash and a plastic lens. Do something artistc with this camera means win a great challenge. First shoots demoralized me, but  after I starter reasoning on the meaning of the istant, on the time, on the shoot sequence, and on the links that can be created between different combinations of images. What affascinated me was to take the istantaneity away from the Polaroid 600. Deprivind it of its main characteristics and of its being withiout denied it. My Polaroids are so far from being istant shoots, even if they are istant shoots, or time fragments.

- What do you want to  comunicate with wour works? And what are you looking for with your art?

I like to look at my works as a stone throw down a pond. I think that one of my photo is a good photo when it creates “weaves” in the watcher’s mind. The pond differs accordino to people, the stone remain the same, and the waves vary for every throw. The more my works are open, the more my works are meaningful, the more the numbers of meanings that can be given to them. I’m not interested in given them a title, or suggest an interpretation for them. I’d like that the work’s interpretation reamains an active and intimate think for the spectateur. It’s up to everyone to find a reason to love a shoot rather than an other. If this happens, i will find what I’m looking for.

By my side, I’m not sure of what I’m looking for, probably it’s better say that it’s the shoot to looking for me.

- Are you attached to a work or project, in particular?

There are lots of shoots to whom I’m attached because they pass through places and moments. I love mix them, combining photos of different years, far places and contrasting moments. There was a moment in my life in which I used to like a lot what is defined “fresch fish” in the market, that in the reality it is dead. In the shoot people see that is dead, but it happens rarely that a thought different from the fried dish smalling on their noses comes up to their mind  I’m not a fanatic animal right activist, but I lke suggesting messages. For example, the Polaroid game named “shortcircuit” in which one photo run after the other without any start or end.

I also like internal architecture and past life marks found in places. If I have to choose one than I will prefere “Bodyscapes”, body’s part macro shoot that remaind to landscapes such as caves or lakes.

- Why?

Because I can’t get bored of them.

- Finally, if being interviewed what question will you ask to yourself? And can you answer please?

Ok, here I’m not good, so I will start from the answer, that is the thing it is worth always saying while watching a photo and then we will find the question..

I’like to thing to photography as a magic that is able to put together the time, the light and the moment. Photography setaches things surface and as they interact with light.  The power of the magic is so strong that preserves  and grows during the time. The older the photo is, the stronger its power becomes. Photography is made of our same things: bodies that will vanish in the corse of time.

The soul couldn’t be  shot  and it tremales faceing the greater invention of ever because it recognize to be there where it vanishs.

So, coming back to the begining the question is: why have you been fascinatine from photography?

Intervista con Paolo Degasperi:

- Perché il suo lavoro si focalizza principalmente sulle polaroid? Cosa rappresentano per lei?

Gran parte delle mie fotografie istantanee sono state scattate tra il 1996 e il 2001. Ho avuto in quegli anni un intenso interesse per la polaroid perchè mi ero imposto di sfidare il medium fotografico partendo dal suo "gound zero": lavorare con una macchina fotografica polaroid e la polaroid a sviluppo istantaneo a sandwich mi avrebbero costretto a confrontarmi con la sola inquadratura. La polaroid 600 è una macchina fotografica da 30 euro, con un bottone, 10 scatti da sparare, un flash brutale e un obiettivo in plastica. Fare qualcosa di artistico così sarebbe stato vincere una bella sfida. I primi scatti sono stati avvilenti. ma poi accogli la sfida e ti appassioni. Ragioni sul significato dell'istante, della sequenza di scatti, delle relazioni che possono instaurarsi nell'accostare tra loro foto che hanno tutte la medesima cornice bianca, ragioni sul tempo oltre lo scatto e via dicendo. Personalmente mi ha affascinato togliere alla polaroid 600 l'idea di istantaneità. Privarla del suo essere, senza negarla. Le mie polaroid sono la cosa più distante possibile da una foto istantanea, seppur ogni foto è un'istantanea, un frammento di tempo.

- Cosa cerca di comunicare attraverso la sua arte? e di cosa è in cerca con i suoi lavori?

MI piace pensare alle mie foto come ad un sasso lanciato nello stagno. Credo che una mia foto sia riuscita quando genera le onde nell'acqua della mente dell'osservatore. Lo stagno è diverso per ogni persona, il sasso lo stesso, le onde sempre varie ad ogni lancio. Più le mie foto sono aperte, più sono significanti e maggiore è il numero di significati che possono prendere. Non mi interessa infatti dare loro un titolo: non voglio nemmeno suggerire una interpretazione. Voglio che l'osservazione sia una cosa attiva e privata dello spettatore. che ognuno trovi un motivo per amare uno scatto piuttosto che un altro. Se questo succede ho trovato quello che cerco. Dal lato mio, invece, non saprei cosa cerco. Più spesso è quello che esce dalle foto che faccio che cerca me.

Talora una sensazione, talora un vuoto, altre volte un pieno. Non parto cercando, mi sforzo di essere pronto ad essere trovato. Si tratta di acuire i sensi in modo da accorgersi di essere trovati quando succede.

- C'è un'opera, o un progetto, alla quale è particolarmente affezionato? 

Sono affezionato a molti scatti perchè passano attraverso molti luoghi e posti e momenti. Adoro mischiarli ed accostare in combinazioni casuali foto di anni diversi, luoghi distanti, momenti opposti. Scattano cose che non pensi e nascono connessioni da sole. C'è stato un periodo che amavo molto quello che al mercato viene chiamato pesce fresco: e che è pesce morto. Nelle foto si vede che è morto, ma raramente ci si spende un pensiero diverso dalla frittura che già ti profuma nella mente. Non sono un fanatico animalista, solo mi piacciono i messaggi suggeriti. Come il gioco di Polaroid intitolato "cortoCircuito" in cui le foto si rincorrono una dentro l'altra senza origine nè fine.

Mi piacciono anche gli interni architettonici e i segni delle vite passate nei luoghi, ma credo che se dovessi indicartene una sola, preferirei su tutte la serie "Bodyscapes", le riprese macro di parti del corpo che assomigliano a paesaggi, come grotte o laghetti.

Perché?

Perchè non riescono a stancarmi: il che significa che sono davvero foto riuscite.

- Infine, quale domanda si farebbe se fosse intervistato? E potrebbe gentilmente rispondere?

Qui non sono bravo: per cui prima ti dirò la risposta, che è la cosa che penso valga la pena dire, sempre, quando si guarda una foto. E poi ne tiriamo fuori la domanda...

Mi piace pensare alla fotografia come ad una magia che riesce a legare insieme l'attimo, il tempo, la luce. Stacca la superficie delle cose e come queste interagiscono con la luce, fermandole. Il potere magico è talmente forte che parte di questa magia si conserva e rigenera per sempre: il suo potere non si esaurisce mai ed anzi cresce nel tempo. Più è vecchia la foto più il suo potere è forte. La fotografia è fatta delle stesse cose di cui siamo fatti noi: corpi nel tempo che svaniscono. L'anima che la foto non riesce a fermare trema sorpresa davanti alla più grande invenzione di sempre perchè riconosce di esistere là dove sparisce. 

Quindi, tornando a noi, potremmo dire che la domanda è: cosa ti affascina della fotografia?

I apologize for my English, but the text is very complex. For anything that you coudent’t understand, please ask and also if you are interested to something particolar.

See further works of the author on www.paolodegasperi.it a gallery completely dedicated to polaroid artworks!

Above some of the polaroids of the series "bodyscapes"

(con)TemporaryArt 2010

Giovanni Frangi

Banksy

Felipe Cardena

Con-TemporaryArt third edition!!! During the MiArt week the con-temporary art show comes back with 26 exhibitions and events at the Superstudio Più, huge location for exhibition, in the most creative area of Milan. New projects, big artists, performances, young promises, and meetings.

The inauguration was the 22, Mondey evening, and there was a crowd of people, but 10.000 visitors are forecasted, so you are still on time to get your unit in the total number, until March the 30th!

Among all the works presented, I would like to focus on one, that more than the others reflect our time and society.

“Diverso è un altro modo per dire noi” (Different is an other way to say “us”) is the work of the Italian artist and poet Ivan. The public finds himself in a dark room in which a light box made totem stands. Each light box embodies a portrait made of a photo and a poem. Among the portraits there are Prevert, Dario Fo, Pisolini, De Andrè, Van Basten and Ambrosoli, people and characters who affected in some way the artist’s life. Opposite to the dark room, that is been created with the use of black paperboard panels, there is a white wall fulfil with poems about our past and the idea of the Different that define the our idea of Us.

A reflection on our concept of diversity, on the distance between us and the others, it results very appropriate in a globalize world that still suffers of racism disease.

Terza edizione del Fuori- Salone dell’arte!! Durante la settimana del MiArt torna il percorso di arte con-temporanea con 26 mostre ed eventi al Superstudio Più, grande polo espositivo in zona Tortona, una delle aree più creative di Milano. Progetti inediti, grandi artisti, performance, giovani promesse incontri.

Lunedì sera c’è stata l’inaugurazione più una massa di gente, ma sono previsti 10.000 spettatori, quindi siete ancora in tempo per ritagliarvi la vostra unità nel numero, fino al 30 marzo!

Tra tutti i lavori presentati, vorrei soffermarmi su uno che più degli altri riflette il nostro tempo e la nostra società.

“Diverso è un altro modo per dire noi” è un’opera del poeta ed artista Ivan. Lo spettatore si ritrova in una sala buia in cui capeggia un totem costituito da scatole luminose contenenti ognuna un ritratto fatto di fotografia e poesia. Rappresentati ci sono tra gli altri Prevert, Dario Fo, Pisolini, De Andrè, Van Basten e Ambrosoli, persone e personaggi che hanno influenzato direttamente o meno la vita dell’artista. Quasi in contrapposizione con la stanza buia, creata con l’utilizzo di pannelli di cartone neri, c’è una parete bianca riempita con poesie sulla nostra storia e sull’idea di diverso che definisce il concetto di noi.

Una riflessione sul nostro concetto di diversità, sulla distanza tra noi e gli altri, che risulta molto appropriato in un mondo globalizzato che continua a soffrire del morbo del razzismo.

For further information see also http://www.con-temporaryart.it/.

“Diverso è un altro modo per dire noi” - Ivan

“Diverso è un altro modo per dire noi” - Ivan

“Diverso è un altro modo per dire noi” - Ivan

Julian Rosefeldt - Clown

Today, a rapid article on the installation Clown of Julian Rosefeldt, (2005).

Oggi, un rapido articolo sull’istallazione Clown di Julian Rosefeldt, (2005).

Like ! Like! Like! Not other feeling if not other than love at the first sight for this photo that is suddenly appeared in front of me while I was walking tired and hungry among the stands at the inauguration of Altissima 2009 in Turin.

It was impossibile not to notice the shoot: a clown who wanders about in the rainforest!

Looking for the author I found out that he is German, Berlin-based, studied architecture and his name is Julian Rosefeldt. He is known for his multi-channel film installations, such as Stunned Man, the Soundmaker, the Perfectionist, also named Trilogy of Failure (2004-06). His installations are mise-en-scène in which stereotype daily-life behaviours are mixed with fiction. The shoot I saw also belongs to an installation in which in a damp and sultry rainforest a clown appears climbing through the rocky path of a stream, disappearing in and out into the forest. For the artist the Clown is a metaphorical figure, the clown is a non sense character who represents in a comic way the human condition and that he is putted by Rosefeldt in an absurd background. Through his works the artist tries to shows certain stereotypes of human life and wander about its meaning or the absence of it.

Mi piace! Mi piace! Mi piace! Non ci sono altre parole se non amore a rpima vista per questa foto che è apparsa all’improvviso davanti a me mentre camminavo stanca ed affamata tra gli stand all’inaugurazione di Altissima 2009 a Torino.

Era impossibile non notare lo scatto: un clown che girovaga per la foresta pluviale!

Ricercando notizie sull’autore, ho scoperto che è Tedesco, vive a Berlino, ha studiato architettura e si chiama Julian Rosefeldt. É principalmente conosciuto per le sue film-installazioni multi canale, come Stunned Man, the Soundmaker, the Perfectionist, anche chiamate Trilogy of Failure (2004-06). Le sue istallazioni sono messe in scena in cui comportament stereotipati della vita quotidiana sono mixati a finizione filmica. La foto che ho visto appartiene ad un’istallazione in cui in una foresta pluviale umida e afosa appare un clown che avanza attraverso il sentiero accidentato di un ruscello, apparendo e sparendo dalla foresta. Il clown, per l’artista, è una figura metaforica, egli è un personaggio non sense che rappresenta in modo comico la condizione umana e che viene messo da Rosefeldt in un assurdo background. Attraverso I suoi lavori l’artista cerca di mostrare alcuni stereotipi della vita umana e si interroga sul senso o sulla sua mancanza.

For further information see also: http://www.chapter.org/7829.html

Carl Warner - Foodscape

Today I would like to introduce Carl Warner and his famous foodscape. His works are so unique that catch our attention at the first sight and then are impossible to forget!

He started taking picture at the age of 15 and at the age of 23 he started his career as a professional photographer working mainly in advertising.

While he was shooting food for advertising, he looked for something different and new, finally he arrived to create foodscape! Something that no body had ever done before!

For his work, Carl, is inspired by illustrators such as Roger Dean and Patrick Woodroffe and their imaginary works and landscape, and by fantasy film like The Wizard of Oz and Charlie and the Chocolate Factory.

Even if  the foodscape look so real they are all created and shot in studio, the open air effect is given thanks to natural lighting.

He started by visualizing the image he wants to create and than he makes a sketch of  scene that he has in his mind. The draw acts as a blue print for the team that helps him to turn the sketch into the foodscape. The scene building starts with the carving of large blocks of polystyrene in order to create hills and mountains which after will be covered with ingredients. Sometimes the team uses a shallow tank in order to create a lake or a river.

During the shooting what can become a frustrating obstacle  is that fresh ingredients will wilt and perish under the lights and so, Carl has to shoot some part of the picture very quickly! But the result finally is great and looks like reality!

The information and interview of this article are coming from Andrew, Carl’s assistant, who was so kind to gave me all the material need to write this paper.

Oggi vorrei introdurre Carl Warner e i famosi “foodscape”. I suoi lavori sono così unici che catturano la nostra attenzione al primo sguardo e da lì sono impossibili da dimenticare!

Carl inizia a scattare foto a 15 anni e all’età di 23 inizia la sua carriera da fotografo professionista, principalmente nel mondo della pubblicità.

Mentre scatta foto al cibo per le campagne pubblicitarie incomincia a cercare qualcosa di diverso e nuovo,  alla fine arriva a creare i “foodscape”! Qualcosa che nessuno ha mai fatto prima!

Per i suoi lavori Carl si ispira ad illustratori come Roger Dean e Patrick Woodroffe e ai loro scenari e opere immaginari, e da film di fantasia come il Mago di Oz e La Fabbrica di Cioccolato.

Anche se i “foodscape” sembrano così reali, in verità sono tutti creati e fotografati in studio, l’effetto “all’aria aperta” è dato dall’uso di luci che sembrano naturali.

La preparazione dell’opera incomincia quando Carl riproduce su carta uno schizzo della scena che ha in mente, il quale serve da traccia  per il suo team che lo aiuta a trasformare il disegno nel foodscape. La costruzione della scena avviene modellando dei blocchi di polistirolo che servono a creare montagne e colline e che verranno successivamente coperti con ingredienti. A volte capita che il team usi un acquario poco profondo per creare un lago o un fiume.

Il fatto che gli ingredienti freschi appassiscano e periscono quasi subito può essere un ostacolo parecchio frustrante per Carl, che deve scattare alcune parti dell’immagine molto in fretta! Ma nonostante questo i suoi lavori sono fantastici e sembrano completamente reali!

Le informazioni e l’intervista di questo articolo arrivano da Andrew, l’assistente di Carl, che è stato così gentile da fornire tutto il materiale che serviva per questo articolo.

All the images are Carl Warner's works.

Lowbrow Art & Pop Surrealism

Black window - Natalie Shau

When I saw for the first time works belonging to the Lowbrow  Art or Pop Surrealism movement, the first impression was that the vampire fashion was been summed to the “Hello Kitty” fan club!

In this artistic movement, born in L.A. at the end of the 1970s, there is something very childish mixed together with a macabre and dark style. The result is something very disturbing, almost agonizing, but magnetic and fascinating.

The movement has its origins in the underground comix world, in the punk music and other subcultures. 

Quando ho visto per la prima volta lavori che appartengono alla Lowbrow Art o Pop Surrealismo, la mia prima impressione è stata che la nuova moda dei vampiri fosse stata sommata al fan club di “Hello Kitty”! In questo movimento artistico, nato a L.A. alla fine degli anni 70, c’è qualcosa di molto infantile che viene michiato con uno stile macabro e dark. Il risultato è qualcosa di molto inquietante, quasi angosciante, ma magnetico e affascinante.

Il movimento ha origine dal mondo dei fumetti underground, della musica punk e di altre sottoculture.

The Dorothy Circus Gallery in Rome is specialized in Lowbrow Art and Pop Surrealism and organize exhibitions with artistis of this movement. Above here, you can find the link of the gallery.

La Dorothy Circus Gallery a Roma è specializzata Lowbrow Art and Pop Surrealism e organizza mostre con artisti di questo movimento. Qui sotto trovate il link della galleria.

http://www.dorothycircusgallery.com/

I would like to present two artists that have caught my attention, belonging to this movement and presented at the Dorothy Circus Gallery.

Vorrei presentarvi due artiste che hanno catturato la mia attenzione, appartenenti a questo movimento e rappresentate alla Dorothy Circus Gallery.

Nouar is a young Iranian artist, graduated from Art Center College of Design in Pasadena, California in 2004. Her art is deeply affected by American mid-nineteenth century illustration and advertisement art: protean colors, humor and bodies so suitable that you’d like to eat them. (http://www.dorothycircusgallery.com/current.php)

Now she is presenting her works in the exhibit “What a wonder food world” to the Dorothy Circus Gallery until april the 2^nd  .

Nouar è una giovane artista iraniana, laureatasi all’Art Center College of Design di Pasadena, California, nel 2004. La sua arte è profondamente influenzata dalle illustrazioni pubblicitarie americane della metà del secolo scorso, coloratissime, ricche di umorismo e personaggi che fanno venir voglia di mangiarli. (http://www.dorothycircusgallery.com/current.php)

In questi giorni espone I suoi lavori alla Dorothy Circus Gallery in una mostra intitolata “What a wonderful world” che dura fino al 2 aprile.

Nouar

Nouar

Natalie Shau, who will be at the Dorothy Circus Gallery from may to june 2011, is illustrator and photographer from Lithuania (Vilnius). She works mainly in digital media and Natalie’s works are mixture of her photography, digital painting and 3D elements. Her style was influenced a lot by religious imagery, fairytales illustrations, classic horror literature and Russian classic literature such as Fyodor Dostoevsky and Nikolai Gogol. (http://natalieshau.carbonmade.com/about/)

Natalie Shau, che esporrà alla Dorothy Circus Gallery da maggio a giugno 2011, è un’illustratrice e fotografa Lituana. Lavora principalmente sui media digitali e I suoi lavori sono un mix delle sue fotografie , dipinti digitali e elementi 3D. il suo stile è stato influenzato  molto dall’immaginario religioso, illustrazioni fiabesche , classici della letteratura horror e classici della letteratura Russa come Fyodor Dostoevsky e Nikolai Gogol.

Carmine - Natalie Shau

Moonlight lady - Natalie Shau

Alice and the blue caterpillar - Natalie Shau

Catacomb kitten - Natalie Shau