Erik Otto - turning day dreams into colorful art

- Can you tell us something about yourself?

I am generally a positive guy but I often feel like I carry the weight of the world on my shoulders.

- When did you discover your passion for art?

At an early age I spent most of my time day dreaming. As I grew older, I realized the importance of these visions and dreams and promised myself to never abandon them. Today, I am simply learning the art of manifesting these visions into something real. With each work I create I learn something new as well as a deeper sense of why I do what I do. I don't think I will ever stop learning nor will I ever find the exact reason why I do what I do and that's the beauty of it all.

- How do you create your works?

I often enjoy the process more than the end product. I typically start with a simple idea that later becomes lost in the process then somehow resurfaces in the end meanwhile allowing the reclaimed materials at hand suggest the outcome.

- What are your main sources of inspirations?

I am inspired by the struggle to find and maintain a source of life that is forever flowing.

- Ci puoi raccontare qualcosa su di te?

Sono generalmente una persona positiva, ma ogni tanto mi sembra di portare il peso del mondo sulle spalle.

- Quando hai scoperto la tua passione per l’arte?

Quando ero piccolo passavo la maggior parte del mio tempo a sognare. Quando sono cresciuto, ho capito l’importanza di queste “visioni” e sogni e ho promesso di non abbandonarli mai. Oggi, sto imparando l’arte di rappresentare i miei sogni e di renderli visibili a tutti. Per ogni lavoro che concludo imparo qualcosa di nuovo e prendo maggiore conoscenza del perchè sto facendo tutto ciò. Non penso che smetterò mai di apprendere o di trovare la ragione perchè faccio questo lavoro, è questo è il bello.

- Come crei i tuoi lavori?

Spesso mi piace di più il processo che il lavoro in sè. Di solito inizio da un’ idea semplice che di solito si perde nel processo e poi ricompare da qualche parte alla fine permettendo di capire come dovrà essere il lavoro finito.

- Quali sono le tue principali fonti d’ispirazione?

Sono ispirato dalla battaglia per trovare una fonte di vita che scorra per sempre.

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Adela Economou Krubnerova - Art as a form of communication

- When did you discover your passion for art?

as long as I remember I wanted to be a fashion designer, In my third year at the Academy of Art, Architecture and Design in Prague where I studied the Fashion design I changed my direction and studied, later graduated in atelier of Conceptual art. Since than I’m a practicing artist and the passion I discover each and every day again.

- How do you create your works?

I’m multimedia artist, I do paint, draw and work on digital graphic. I do prepare first the theoretical concept and than look for media or form to express the thought as best as I can.

- What are your main sources of inspirations?

In all aspects everyday life.

- What is art for you?

Art is for me, mainly, form of communication.

- Quando hai scoperto la tua passione per l’arte?

Da quando mi ricordo ho sempre desiderato fare la stilista, al terzo anno dell’accademia di Arte, Architettura e Design in Praga, dove studiavo per diventare stilista, ho cambiato idea e ho iniziato a studiare e mi sono laureata in Conceptual art. Così sono diventata un’artista.

- Come crei I tuoi lavori?

Sono un’artista multimediale, dipingo, disegno e lavoro con programmi di grafica digitale. Prima preparo il concetto teorico e dopo ricerco il mezzo e la forma per esprimerlo nel migliore di modi.

- Quali sono le tue principali fonti d’ispirazione?

Tutti gli aspetti della vita quotidiana.

- Cos’è l’arte per te?

L’arte per me è principalmente una forma di comunicazione.

For further information see also http://www.aekstudio.nl/.
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Jeff Koons - The Kitsch side of Art



Hi everybody!

As you probably have notice I just open a facebook page for the blog! If you like you can join it! :) Today, I like to introduce Jeff Koons, one of the major contemporary artists! I can’t avoid to write of him on my blog!! He is an American artist, born in1955, known for his reproductions of banal object, such as balloon animals produced in steel with mirror finish surfaces. His work can be defined as Neo-pop, that is a movement born in the 80s as a reaction to the main streams of the period: Minimalism and Conceptualism. The basic point of Koons’ art is the rejection of any hidden meaning in his artwork. The artist states that there is no gap between the perception of the object and its essence.

Ciao a tutti!

Come avrete notato ho appena aperto una pagina su facebook per il blog! Se volete potete unirvi al gruppo! :) Oggi, vi parlo di Jeff Koons, uno dei più famosi artisti contemporanei! Non potevo non dedicargli un articolo sul blog! È un artista americano, nato nel 1955, conosciuto per le sue riproduzioni di oggetti banali, come enormi palloncini a forma di animale fatti di acciaio colorato, con una superficie riflettente. Il suo lavoro fa parte del movimento Neo-pop, nato negli anni 80 come reazione alle principali correnti del periodo: il Minimalismo e il Concettualismo. Il punto principale dell’opera di Koons è il rifiuto assoluto di un qualsiasi significato intrinseco nei suoi lavori. L’artista sottolinea che non c’è nessuna differenza tra ciò che lo spettatore percepisce e ciò che l’oggetto è in sè.

For further information see also http://www.jeffkoons.com/.
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Loretta Lux - Young children surreal portraits



Loretta Lux was born in Dresden, East Germany, in 1969 and is a fine art photographer known for her surreal portraits of young children. She currently lives and works in Monaco. Lux graduated from the Academy of Visual Arts in Munich in the 1990s, and debuted at the Yossi Milo gallery, New York in 2004. The show put both Yossi Milo and Loretta Lux on the map, selling out and setting prices never before seen from a new gallery. The artist executes her compositions using a combination of photography, painting and digital manipulation. Lux’s work usually features young children and she is influenced by a variety of sources. She originally trained as a painter at Munich Academy of Art, and she is influenced by painters such as Agnolo Bronzino, Diego Velázquez, Phillip Otto Runge, but also by the famous Victorian photographic portraitists of childhood such as Julia Margaret Cameron and Lewis Carroll. Loretta Lux’s works are exhibited at Carla Sozzani Gallery in Milan until 31 October. Here it is the link for who are interested (http://www.galleriacarlasozzani.org/#/exhibitions/264/).  

Loretta Lux è nata a Dresden, nella Germania dell’Est, nel 1969 ed è una fotografa conosciuta soprattutto per i suoi ritratti surreali di bambini. Oggi vive e lavora a Monaco. Lux si è laureata all’accademia di Arti Visive di Monaco nel 1990 e ha debuttato alla Yossi Milo gallery a New York nel 2004. La mostra ha lanciato sia Loretta Lux che Yossi Milo, fissando dei prezzi mai visti per una galleria nuova. La Lux crea i suoi lavori usando una combinazione di fotografia, dipinti e manipolazione digitale. Essendosi formata originariamente come prittrice le sue principali influenze sono pittori come Agnolo Bronzino, Diego Velázquez, Phillip Otto Runge, ma anche famosi fotografi ritrattisti vittoriani come Julia Margaret Cameron e Lewis Carroll. I lavori di Loretta Lux sono esposti alla Galleria Carla Sozzani a Milano fino al 31 ottobre. Ecco il link per chi fosse nei paraggi! (http://www.galleriacarlasozzani.org/#/exhibitions/264/).

For further information see also http://www.lorettalux.de/.
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Olivier Mosset - Monochrome and circles

Although originally born in Bern in 1944, Olivier Mosset has not lived in Switzerland for almost thirty years. In the mid sixties he moved to Paris, then to New York, where he finished his studies in Art and Art History at Columbia University. Today, He and his wife now live in Tucson, Arizona. In Paris he has his first contact with the art world, especially with the artists of Nouveau Réalism such as Klein, Arman and Raysse, and starts work as Jean Tinguely's and Daniel Spoerri's assistant. Through these artists he meets Marcel Duchamp. Mosset finds the idea of the art object which some of these artists are developing, interesting, but reasons that a painting is also a good object. He starts a series of paintings that show the letter "A". This is followed by paintings which have a black circle at the centre of a white background. Between 1966 and 1974 Mosset paints approximately 200 such circle paintings that become generally accepted as his signature image. Mosset meets Buren, Toroni and Parmentier by 1967, and their circles, stripes, square dots and folded canvases are quickly agglomerated in a movement that becomes known as BMPT, after the initials of these four artists. BMPT becomes a vehicle to propagate the idea of democracy for the language and content of art. Mosset moves to New York in 1977 and begins to paint monochrome paintings that deal with abstraction as silence, mutism and ineloquence. It seems that Mosset has reached a logical end point of painting, in the sense that it is difficult to imagine what can follow from his line of reasoning without crossing the line between art and non-art.

Nonostante sia nato a Berna nel 1944, Olivier Mosset non ha mai vissuto in Svizzera per quasi 30 anni. Alla metà degli anno 60 si è trasferito a Parigi, e poi a New York, dove ha finito i suoi studi in Arte e Storia dell’arte alla Columbia University. Oggi vive con sua moglie a Tucson, in Arizona. A Parigi è entrato per la prima volta in contatto con il mono dell’arte, in particolare con gli artisti del Nouveau Réalism, come Klein, Arman e Raysse e inizia a lavorare come assistente per Jean Tinguely e Daniel Spoerri, è così che incontra Marcel Duchamp. Mosset trovainteressante l’idea dell’oggetto d’arte che questi artisti stanno sviluppando, ma pensa che anche un dipinto può essere un bell’oggetto d’arte. Così inizia a dipingere una serie di qudri che hanno come soggetto la lettera “A”. Poi seguono una serie di dipinti che hanno un cerchio nero al centro con uno sfondo bianco. Tra il 66 e il 74 Mosset dipinge circa 200 dipinti con il cerchio, che diventa così il suo simbolo distintivo. Nel 67 Mosset incontra Buren, Toroni e Parmentier, e ben presto I loro cerchi, strisce, pois quadrati e tele piegate vengono agglomerati in un unico movimento conosciuto come BMPT, come le iniziali dei 4 artisti. BMPT diventa un veicolo per trasmettere l’idea di democrazia nel linguagio dell’arte. Nel 77 Mosset si trasferisce a New York e inizia a dipingere quadri monocromi. L’artista guarda all’astrazione come silenzio, mutismo e ineloquenza. Sembra che Mosset sia arrivato a una meta logica del dipingere, nel senso che è difficile immaginare cosa può seguire dalla sua linea di ragionamento senza superare la linea tra arte e non arte.

For further information see also http://www.artnet.com/artist/12163/olivier-mosset.html.
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Thomas Mangold - Art between contradiction and bizarre animals

- Can you tell us something about yourself? When did you discover your passion for art?

Apart from the usual school education I studied visual communication at the University of Applied Sciences in Dortmund achieving a diploma as a photo designer. The wish to study photo design arose in the late 80th. With about 16 years I started to photograph everything with my first Nikon SLR. Initially the movie "Under fire" with Nick Nolte started my fascination for being a photographer and I guess the idea of becoming a war photographer was kind of interesting. So, after I felt comfortable with my camera and composing images in the view finder I concentrated on street photography, for sure influenced by the Magnum book "Zeitblende" (In our time). After my school and civil service time I started to study in Dortmund. While the fascination for street and documentary photography remained in the first years, I soon realized that there are other fields in photography which are also interesting and fascinating. Influenced by one of my professors I started to work more and more conceptual. A series of images replaced THE image, photographs started to interact with themselves. Towards the end of my studies my relationship to photography has changed considerably. Especially my diploma which I shot in the film sets of Germany TV soap operas, the zoo series and former series manifested my interest in the imaginary. From being a photographer who tried to capture the real I evolved to creating the fictitious.Looking back to when my fascination for the visual arts started, I stumble across all the fabulous children's books my parents presented my with. I especially liked one where a boy spends his vacations with his grandfather in the woods, as the boy is in the possession of a magnifying glass which permits him to discover what formerly has been invisible to the eye like ants etc. The step from the magnifying glass to the camera lens seems to be a logical consequence.

- How do you create your works?

That really depends. In the late 90th I started again to experiment with 3D computer graphics after initial contact in the 80th. During my studies I learned more and more about cgi and solved some of the photographic tasks by using computer graphics instead of shooting something with a camera. For my private and professional work I like to use both sides. Real photography and computer graphics. One should always use the best from each world and usually the images combining these elements in the most exquisite way are the most stunning ones. While computers and software get more powerful each year, the ability to create photo-realistic imagery is getting easier. Luckily the ability to create good images is attached to individuals and their senses. So technology isn't everything. In case of the cg animals, as soon as the decision has been made to create them via the computer, the research starts. Although the time is very limited to get familiar with your subject, it is probably the most interesting one in a project as you are usually confronted with something unknown. Getting the insight into something you only know by its surface is a little miracle by itself, similar to the making of a movie or a backstage pass. Realizing how an organism "works" is just beautiful. Afterwards the hard and tedious work of rebuilding something created by nature over thousands of years begin. Especially fur and feathers have the ability to make your day. Luckily in the last years there have been great enhancements supporting the creative to recreate these surfaces.

- What are your main sources of inspirations?

I guess everything. Years ago while still growing up Monty Python totally spoiled my sense of humour. Also I can't blame Palin, Cleese and the rest of the bunch for everything, I guess since then I see the world, my environment and other people through pythonesque spectacles. In some way I try to see the weird, humorous and bizarre behind the surface. Sometimes this will indeed end in something funny like the octopus in the bath tub, the fat horse and fat giraffe or the Mückofant. On the other hand there are images like the ones from zoological gardens which are far more subtle. While still being strange environments, like a Terry Gilliam movie, there is also the reference to the society who builds these environments in resemblance to nature or the idealised conception of nature. So, in the end I need to stay open minded, as there is not a certain daytime or activity which is connected to the birth of ideas. A colour, a word, a face, a movie. Anything can trigger something in your brain which results in a picture that needs to be created.

- What is your definition of art?

I never tried to come up with a description of what is art. The strange thing in the English language is the way the word art is used. Everybody who is involved with computer graphics calls him-/herself cgi artist. While people do so, there are only a few who's work I would call artistic or artful. In German the word "Künstler" (artist) describes a far more isolated/exqusite kind of person/profession. So in English the usage of the word artist and art is highly inflationary, making the introduction of the word "fine art" necessary. Finding a definition of what is art is probably as impossible as coming up with a guide to identify a great photo. Being a photographer for about 25 years I "earned" the ability to tell what is and what isn't. As there will be always others who will contradict my judgement regarding a certain image, the process to distinguish between art, simple images and crap is a highly personal one. Sometimes personal interests will lead persons to call certain things a piece of art, as it is in their benefit to do so. Other times somebody will give you a well prepared explanation why something is art, making it hard or tedious to convince the person of the opposite. So in the end the state of an object or event whether it is art or not depends on the arrogance of an individual to say so and others to agree for what ever reason this might be. Probably this is the very essence of art, that it withdraws itself from an unanimous appraisal, judgement and classification and arouses contradiction.

- Ci puoi raccontare qualcosa su di te? Quando hai scoperto la tua passione per l’arte?

A parte la solita educazione scolastica, ho studiato comunicazione visiva all’università di scienze applicate in Dormund, ottenendo il diploma in photo designer. Il desiderio di studiare photo design è nato alla fine degli anni ottanta. Quando avevo circa sedici anno ho iniziato a fotografare tutto con una Nikon SLR. Inizialmente il film “Under fire” con Nick Nolte ha fatto nascere il fascino per la fotografia. Dopo che ho preso manualità con la macchina fotografica e a comporre immagini, mi sono concentrato sulla fotografia per strada, sicuramente influenzato dal libro pubblicato da Magnum "Zeitblende" (Nel nostro tempo). Dopo la scuola e il servizio civile ho iniziato a studiare alla Dortmund. All’inizio continuavo a essere affascinato dalla fotografia documentaristica, successivamente però ho scoperto che non era l’unico ambito della fotografia ad interessarmi. Seguendo uno dei miei professori ho iniziato a fare lavori più concettuali. Alla fine degli studi il mio rapporto con la fotografia è cambiato considerevolmente. Ho iniziato a fare il fotografo per i set cinematografici e la tv. Così da fotografo del reale ho iniziato a creare la finzione. Ripensando a quadno è iniziata la ma passione per l’arte visuale mi sono ricordato del libro che i miei mi avevano preso quando ero bambino. Una delle storie raccontava di un ragazzo che passava le vacanze a camminare per il bosco con il nonno, con una lente magica che gli permetteva di vedere le cose invisibili. Dalla lente alla macchina foto il passaggio sembra ovvio.

- Come crei i tuoi lavori?

Questo dipende. Alla fine degli anni 90 ho iniziato a sperimentare con la grafica 3D dei computer dopo averli conosciuti negli anni 80. Durante gli studi ho imparato a usare la manipolazione digitale. Per i miei lavori mi piace usare sia la fotografia “reale” che la grafica digitale. Uno dovrebbe sempre usare il meglio da entrambi, le immagini che combinano gli elementi di queste tecniche sono favolose. I pc e i software diventano ogni anno più potenti e il modo di creare immagini foto-realistiche si fa via via più facile. Per fortuna l’abilità a creare immagini di qualità è prerogativa degli individui e delle loro capacità. La tecnologia non è tutto. Nel caso della creazione di animali, appena la decisione di crearli tramite pc viene presa, inizia la ricerca. Nonostante il tempo per prendere confidenza con il soggetto sia molto limitato, è probabilmente la parte più interessante perchè bisogna confrontarsi con qualcosa di sconosciuto. Si tratta di entrare dentro a qualcosa che si conosce solo superficialmente, è simile a girare un film. Realizzare come un organismo lavora è semplicemente stupendo. Dopo viene la parte difficile e noiosa: ricreare qualcosa costruito dalla natura migliaia di anni fa. Soprattutto le pellicce e le piume sono difficili da riprodurre. Per fortuna il progresso della tecnologia ha permesso notevoli miglioramenti nella riproduzione di queste superfici.

- Quali sono le tue principali fonti d’ispirazione?

Immagino tutto. Anni fa quando stavo ancora crescendo Monty Python ha completamente rovinato il mio sense of humor. Non posso nemmeno incolpare Palin, Cleese e il resto del gruppo per tutto, immagino che da allora vedo il mondo, l’ambiente e le persone che mi circondano come se fossero uno spettacolo “pythonesque”(di Monty Python, ironia intellettuale). In un certo modo cerco di cogliere il diverso, l’ironico e il bizzarro oltre la superficie. A volte questo può finire con qualcosa di veramente buffo, come il polipo nel tubo del bagno, il cavallo grasso e la giraffa grassa. Altre invece, come le immagini per il giardino zoologico, viene fuori qualcosa di più sottile. Nelle opere l’ambiente appare sempre strano, come un film di Terry Gilliam, e c’è sempre un riferimento alla società che ha creato questi ambienti che assomigliano alla natura o al concetto idealizzato di natura. Cosi, alla fine devo sempre avere la mente aperta, perchè non c’è un momento della giornata o un’attività che è connessa alla nascita di idee. Un colore, una faccia, una parola, un film. Tutto può essere fonte d’ispirazione.

- Qual’è la tua definizione di arte?

Non ho mai provato a descrivere cos’è l’arte. La cosa strana nella lingua inglese è come viene usata la parola arte. Tutti coloro che lavorano nella computer graphics si chiamano “cgi artist”. Di tutte queste persone ce ne sono solo alcun che definirei artisti. In tedesco la parola "Künstler" (artista) descrive una categoria di persone più ristretta. In inglese l’uso della parola arte o artista è molto inflazionato, questo ha reso necessaria l’introduzione dell’espressione “fine art” (belle arti). Trovare una definizione di cos’è l’arte è quasi impossibile, come scrivere una guida su come riconoscere una grande fotografia. Facendo il fotografo da quasi 25 anni ho imparato a dire cos’è e cosa non è. Anche se ci sarà sempre qualcuno che mi contraddirà. Il processo per distinguere tra arte e semplici immagini è molto soggettivo. Probabilmente lo stato di un oggetto come “arte” dipende dall’arroganza di un individuo di affermare questo e di altri di essere d’accordo con la sua sentenza. Forse questa è la vera essenza dell’arte, che da sola si ritira da una valutazione, un giudizio e una classificazione unanime, mentre cerca di creare contraddizioni.

For further information see also http://www.thomasmangold.com/.
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George Birrell - Scottish fishing villages

George Birrell style is unmistakable! His works are always full of coloured houses. Cheerful and delicate paintings that represent its native country. Birrell is a Scottish painter, who studied at Glasgow School of Art from 1967-71, graduating with a Diploma of Art in Drawing & Painting. His work has been shown widely throughout Scotland and also in England and in New York. The first thing which attracts the attention on his paintings is the use of strong colours and stylized compositions. He describes the East Cost Scottish towns and fishing villages, evoking a big sense of peace and serenity. To create its work Birrell doesn’t begin from a photograph, but improvises and tries to remember the essentials of a place in the comfort of its studio.

Lo stile di George Birrell è inconfondibile! I suoi lavori sono pieni di case colorate. Allegri e delicati dipinti del suo paese natale. Birrell è un pittore Scozzese, che ha studiato alla scuola d’arte di Glasgow tra il 1967 e il 1971, laureandosi al corso di Arte in Disegno e Dipinto. I suoi lavori sono stati esposti in Scozia, in Inghilterra e a New York. La prima cosa che attrae l’attenzione sui suoi dipinti è l’uso di colori forti e di forme stilizzate. Birrell descrive le città e i villaggi di pescatori della costa est della Scozia, evocando forti sensazioni di pace e serenità. Per creare i suoi lavori Birrell non inizia da una fotografia, ma improvvisa cercando di ricordare I tratti essenziali di un posto nella comodità del suo studio.

All the images posted here are George Birrell’s works.
For further information see also http://www.scottishartpaintings.co.uk/artist-george-birrell.asp, http://www.easyart.com/art-prints/artists/George-Birrell-1722.html, http://www.gullaneartgallery.co.uk/george%20birrell.htm.

Tata Vislevskaya - Loneliness and nature

Hi everyone! I'm sorry to be a little late with the post in these days, but I have to study for the exams! Here it is an interview with a Russian photographer :) enjoy it! 

- Can you tell us something about yourself?

I was born in Moscow in 1986, in a type district, built instead of a military airfield. Near is the Moskva River with barges and aerospace factory. Amazing place. I didn't like school, but I made home performances with my handmade dolls. I played with these dolls for a long time – under 12 years. Nature has always been a place where I could hide. I felt myself very cosy walking alone in the woods. I could walk for hours and dream imagine my own little worlds. Then a day I dreamed of becoming a botanist and I went everywhere with a book about plants and first-aid kit for animals. Now everything has changed, but not the love of nature and animals.

- When did you discover your passion for photography?

Photography chose me. When I couldn't talk by images, I wrote stories. One day I opened my eyes in another world.

- How do you create your works?

I can go dozens of kilometers just to see alpine pastures, waterfalls and river bends. To feel you must go alone. So I'm greatly light on one's feet. The last time in mountains I was ready to weep for the beauty around me. These were incredible feelings. Now I know how to awaken theirs. Love and sadness - they are inseparable.

- What are your main sources of inspirations?

The time alone - trains, airports, stations, night trails. Movements.

The era of the USSR: architecture, cinema. Iceland. Mountains. Wild nature. David Lynch. Michelangelo Antonioni. Sunset. Any happening daily.

- What are your favourite artists? Why?

Erik Bulatov, Aleksandra Ekster, Kazimir Malevich, Marc Shagall, Aleksander Rodchenko. Avant-garde painters is my passion. Incredible colours and pain.

Ciao a tutti! In questi giorni sono un po' in ritardo con  post del blog! Chiedo scusa, ma devo studiare per gli esami! Ecco qui intanto un'intervista con una fotografa russa :)!

- Ci puoi raccontare qualcosa su di te?

Sono nato a Mosca nel 1986, in un quartiere costruito al posto di una base aerea militare. Vicino c’è il fiume Moskva e industrie di barche e aerospaziali. Non mi piace la scuola. Da piccolo organizzavo teatrini in casa con delle bambole fatte a mano. Ho giocato con loro fino all’età di 12 anni. La natura per me ha sempre rappresentato un posto in cui potermi nascondere. Sento me stesso molto più vicino quando cammino da solo tra gli alberi. Potrei camminare solo per ore e sognare il mio piccolo mondo. Fino a quando un giorno ho sognato di diventare un botanico e ho iniziato ad andare ovunque con un libro di piante e un kit di primo soccorso per animali. Ora tutto è cambiato, ma l’amore per la natura è rimasto.

- Quando hai scoperto la tua passione per la fotografia?

La fotografia mi ha scelto. Quando non posso esprimermi tramite le immagini, scrivo storie. Un giorno ho aperto gli occhi in un altro mondo.

- Come crei i tuoi lavori?

Posso fare kilometri di distanza solo per vedere i pascoli, le cascate e i fiumi. Per sentire è necessario andare da soli. L’ultima volta che sono stato tra le montagne ero pronto a piangere per la bellezza che mi circondava. Era una sensazione incredibile. Adesso so come risvegliare i sensi. Amore e tristezza sono inseparabili.

- Quali sono le tue principali fonti d’ispirazione?

Il tempo da solo – i treni, gli aeroporti, le stazioni, i sentieri notturni, i movimenti. L’era dell’ URSS: architettura cinema. Ghiacciai, montagne, natura, David Lynch, Michelangelo Antonioni, il tramonto e ogni cosa che succede nella giornata.

- Quali sono i tuoi artisti preferiti? Perchè?

Erik Bulatov, Aleksandra Ekster, Kazimir Malevich, Marc Shagall, Aleksander Rodchenko. Avanguardia sono la mia passione. Incredibili i colori e le sofferenze.

For further information see also http://www.behance.net/tatavislevskaya
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Yun-Fei Ji - Traditional Chinese painting tecniques in contemprary art work

As the experts say, today it is possible to recognize two main distinct streams in Chinese contemporary art, one may be called “Chinese pop” and the other “Chinese calligraphy and traditional painting”. Yun-Fei Ji belongs for sure to the second stream! He is a Chinese artist, born in Beijing in1963 and moved to New York during the 80s. Trough his paints he tells stories and shows issues that are still perceived as critical in China, such as turbulent historical events and the Cultural Revolution. For painting, Yun-Fei Ji uses handmade rice paper and translucent ink or paint based on natural pigments.

Come dicono gli esperti, oggi è possible riconoscere due distinte correnti nell’arte contemporanea cinese: una che può essere chiamata “Chinese Pop” e l’altra, invece, “Calligrafia cinese e dipinti tradzionali”. Yun-Fei Ji appartiene sicuramente a questa seconda corrente! È un artista cinese, nato a Pechino nel 1963 e trasferitosi a New York negli anni Ottanta. Attraverso I suoi dipinti racconta storie e mostra questioni che tutt’oggi sono percepite come critiche in Cina, ad esempio la storia turbolenta del paese e la Rivoluzione Culturale. Per dipingere, Yun-Fei Ji utilizza carta di riso fatta a mano e inchostro traslucente o colori a base di pigmenti naturali.

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